miércoles, 24 de agosto de 2016

GUERRA, CAPITALISMO & LIBERTAD, de BANSKY; en ROMA







El street art de Banksy se exhibe con calidad de museo

 

Un grupo de 150 obras del misterioso artista británico giran en torno de la guerra, el capitalismo y la libertad

 

Por Elisabetta Piqué, para el diario La Nación, del 24 de Mayo de 2016 

 



ROMA.- Guerra, Capitalismo & Libertad. Es el título de la mayor muestra hasta ahora dedicada al célebre y misterioso artista británico conocido como Banksy, ícono del arte urbano, que se inaugura hoy en esta capital y que se extenderá hasta el 4 de septiembre próximo.




Una fundación italiana llamada Tercer Pilar, que ya hizo otras experiencias en campo artístico, es la que se encargó de juntar y traer hasta la ciudad eterna 150 obras del street artist nacido en Bristol en 1974, cuyo principal mérito es el de haber logrado mantenerse invisible a lo largo de las dos décadas en las que dio a conocer su arte.
Se adapta bien su anonimato a las obras que a partir de los primeros años del 2000 denunciaron con humor y ferocidad las contradicciones del nuevo siglo. En especial, las guerras, el capitalismo y la libertad, que fue el título elegido por los curadores -Stefano Antonelli, Francesca Mezzano y Acoris Andipa- para esta interesantísima muestra. Su mayor ambición -dicen- es que sea didáctica: que llegue a todo tipo de público y que el arte contemporáneo, en este caso el street art, el arte de la calle, sacuda conciencias.



                                                             Bomba casera





De hecho, es difícil quedar indiferente ante las pinturas originales, los stencils, serigrafías, esculturas y objetos raros -en muchos casos, jamás exhibidos antes-, que pueden verse en la muestra, como por ejemplo, esa lata de Coca-Cola símil bomba casera...

Todo lo que puede admirarse, incluso el stencil con la firma de Banksy con aerosol, proviene de colecciones privadas internacionales. De hecho, la fundación que organiza Guerra, Capitalismo & Libertad se preocupa por aclarar que en esta muestra no-profit, el artista "no está asociado ni implicado en esta exposición museal". Y que todas las obras proceden de coleccionistas privados, entre los cuales hay famosos como Brad Pitt.



 Stencil: la chapa con la mítica firma del artista que mantiene su anonimato desde hace dos décadas integra la exhibición.

Lo cierto es que se trata del más grande corpus jamás exhibido antes del artista urbano, certificado por el organismo denominado "Pest Control", la autoridad londinense que desde hace tiempo autentica sus obras. Las técnicas utilizadas son pintura sobre tela, aerosol, stencil, imprenta sobre papel, serigrafía, instalación y el cortometraje.
Al margen de la iconografía relativa a la paz, a la guerra y a la libertad de los años 2000, presente en la muestra, sus más fervientes admiradores saben que Banksy resucitó una vez más su espíritu de denuncia callejera en diciembre pasado. Entonces, decidió desalojar sus propias obras del parque temático Dismaland -una parodia de un parque de diversiones con animadores deprimidos y tristes-, para alojar a los refugiados que se agolpan en el paso de Calais, donde realizó en cambio una serie de murales, entre ellos The son of migrant from Syria, representado cínicamente por Steve Jobs.






Muy discutido, exaltado y ferozmente criticado, dependiendo de las ocasiones, en enero pasado Banksy realizó un grafiti sobre la parte trasera de la embajada francesa en Londres que representaba a una joven mujer en lágrimas (probablemente inspirada en Cosette, de Los miserables, de Victor Hugo), en cuyos pies había una lata de gases lacrimógenos y detrás una bandera francesa, en otra dura crítica a la política de recepción europea a los refugiados. No hace falta decir que el grafiti-denuncia fue inmediatamente cubierto.





La sede romana de la muestra es el Palazzo Cipolla. Se trata de uno de los "palacios" históricos de Roma, que se levanta en la céntrica Via del Corso. El lugar fue reestructurado justamente para albergar arte contemporáneo, con una cúpula interior y amplias salas.
Allí se despliega la obra iconoclasta de Banksy -incluidas 50 covers de discos- que reserva sin embargo cierta amabilidad cuando representa a los niños, aun cuando la denuncia es fuerte. Puede asistirse, así, a la representación de un partido de fútbol en el que el televisor ocupa el lugar de la pelota.
Dar un nuevo significado a las cosas parece ser lo que hace, con espontánea creatividad, este artista que capturó la atención mundial desde su Bristol natal, con sus murales que lo llevaron a la fama.




                                                 
 
Es así como transforma una célebre escena de Pulp Fiction con John Travolta que empuña una banana en lugar de una pistola. O desacraliza de una vez por todas a la reina Victoria sentándola a horcajadas sobre la cabeza de una dudosa e impúdica joven.
No faltan los toques de humor en esta muestra de realizaciones nacidas y pensadas para la calle, pero que no supieron resistir el halago de los coleccionistas. Es evidente, por ejemplo, en la obra que representa un camión blindado seguido por su correspondiente custodia de motociclistas que enarbola orgullosamente un donut (rosquilla) color rosado sobre el techo. Y parecería un autorretrato la imagen de un joven con expresión furiosa, sorprendido mientras empuña el spray con el que esta "decorando" un muro.
La ironía acompaña a la muestra en todo su recorrido, desde el principio, hasta el final. La última obra, un paisaje anónimo con marco dorado a la manera de las obras de arte expuestas en los museos tradicionales, indica con una flecha y con grandes letras pintadas sobre el vidrio exit through the gift shop.

Video  AGENCIA EFE ,

Nota sobre donación a una escuela EL PAIS

En el pasado fin de semana ha desaparecido un mural de Bansky titulado "Cabina de Espías", que estaba ubicado en la ciudad de Cheltenham ( Inglaterra ), donde está radicado uno de los principales servicios de inteligencia británicos, el GCHQ. Así lo informaron  CADENA SER  y  EL PAIS
















lunes, 22 de agosto de 2016

NOVEDADES del DIBUJO y la ILUSTRACION ( N° 107 )










El libro El Principito, de Antoine de Saint-Exupéry, ilustrado por su propio autor y con 170 millones de ejemplares vendidos, ahora es llevado al cine por el director Mark Osborne. Así lo informa ABC CULTURA. Adicionalmente les proporcionamos enlace a un artículo de CULTURA INQUIETA donde podemos ver 10 frases del libro con sus ilustraciones originales.











El fantasma de Gaudí es una novela gráfica de misterio y suspenso editada por Dibbuks. La obra cuenta con guión de El Torres y dibujos de Jesús Alonso Iglesias y en la pasada edición del Salón del Cómic de Barcelona, fue galardonada con el premio a la mejor obra de autor español. Así lo informan el diario LA VANGUARDIA  y el sitio PAPELenBLANCO










 El sitio CULTURIZANDO nos propone conocer los que a su juicio son los 10 maestros de la pintura y la escultura más importantes entre los siglos XIII y XVII. Son los imprescindibles en la historia del arte por ser artistas punteros en su época, con un estilo inconfundible, populares e influyentes









Con motivo del Día del Niño, que en Argentina se festeja el 3er. domingo de agosto, el diario LA NACION recomienda 10 libros ilustrados, clásicos y contemporáneos.










La guionista de comic americana Gail Simone visitó la Argentina en ocasión del Festival Crack, Bang, Boom realizado recientemente en Rosario y allí le concedió una jugosa entrevista al diario PAGINA 12













A traves de UNIVERSOlaMAGA  y  TRAZANDO RUMBOS conocemos al artista surrealista polaco Jaceb Yerka. En WIKIPEDIA conseguimos su curriculum e investigando en su sitio YERKALAND encontraremos un excelente material.















miércoles, 17 de agosto de 2016

200 AÑOS de GRABADO en el MUSEO de ARTE de TIGRE







Teníamos preparado la siguiente información para nuestro informe Novedades del Dibujo y la Ilustración Nº 105:

En una realización conjunta del Museo Histórico Nacional y el Museo Nacional del Grabado se realiza en el Museo de Arte del Tigre, Pcia. de Buenos Aires la muestra "200 años de grabado en la Argentina", coincidente con el Bicentenario de la Independencia. Así lo comentan PANDORAMA y el propio MAT. Agregamos un VIDEO de la inauguración.  Consideramos oportuno dar enlace a una reciente nota del diario CLARIN adonde se comenta el hecho inexplicable del cierre al público del Museo del Grabado desde hace más de 7 años.

Cuando apareció el excelente informe de Marina Oybin en la edición dominical del diario La Nación y decidimos reproducirlo y transformarlo en nota autónoma.

Grabados. La celebración de la tinta

Entre el documento y la experimentación. En el Museo de Arte Tigre se presenta la exposición 200 años de grabado en la Argentina, con más de medio centenar de litografías y estampas de las colecciones del Museo Histórico Nacional y el Museo Nacional del Grabado.


Por Marina Oybin 

para el diario LA NACION del domingo 31 de julio de 2016


En el Museo de Arte Tigre (MAT), la muestra 200 años de grabado en la Argentina incluye más de medio centenar de estampas de las colecciones del Museo Histórico Nacional y del Museo Nacional del Grabado, seleccionadas por María José Herrera, directora del MAT. Hay desde primeras litografías que circularon por el Río de la Plata con gran éxito hasta estampas experimentales de los años sesenta. En esta nota elegimos seis obras claves del grabado argentino de los últimos doscientos años.





Extravagancias de 1834: el enlace de los peinetones, 1834, litografía coloreada sobre papel

César Hipólito Bacle.



Nacido en Ginebra en 1794, César Hipólito Bacle estableció su negocio en Buenos Aires en 1828. Hizo los primeros periódicos ilustrados. En 1829, Juan Manuel de Rosas lo nombró litógrafo del Estado. Además hizo retratos de héroes y escenas costumbristas; realizó algunos grabados a partir de dibujos hechos por su mujer, Adrienne Macaire.


Esta sátira popular con foco en aspectos cotidianos muestra el exageradísimo tamaño de los peinetones de carey de las mujeres porteñas: aquí la moda madrileña tomó dimensiones desproporcionadas. Las litografías de Bacle condensan la mirada del extranjero sobre nuestras costumbres. Sus litografías tuvieron gran éxito de ventas: las compraba la alta sociedad local y se vendían en Europa. Por cuestiones políticas, Rosas encarceló a Bacle: murió al poco tiempo de salir de prisión.











                      Fertilizante, 1953, xilografía.


Abraham Vigo


Junto con José Arato, Adolfo Bellocq, Guillermo Facio Hebequer y Agustín Riganelli, Abraham Vigo perteneció al grupo de los Artistas del Pueblo, fundamental en el arte argentino del siglo XX. Provenientes de sectores populares, adhirieron a las ideologías obreras de la época: entendieron el arte como un modo de intervenir en la sociedad. Encarnaron la vanguardia política: concibieron el grabado como un instrumento de acción ideológica y de democratización que les dio la posibilidad de obtener múltiples originales a bajo costo.

No sólo lo usaron como técnica artística y para ilustrar libros sino también como instrumento de propaganda. El programa estético-político del grupo puso el eje en concientizar sobre las injusticias de la sociedad capitalista. Se opusieron al carácter elitista del arte nucleado en los salones creando el Salón de los Recusados, sin premios y sin jurado, y el Salón de los Independientes.









                               Armonía, movimiento, spazio, 1914, litografía color

Emilio Pettoruti,

El dibujo Armonia, movimiento spazio es clave, ya que Pettoruti -pintor que introdujo el futurismo y el cubismo en nuestro país- lo hizo cuando trabajaba con la vanguardia futurista, en Milán, en 1914. Grabadores experimentados hacían las estampas bajo la supervisión del artista: la litografía fue realizada a partir del dibujo de 1914, en la imprenta del reconocido grabador Fernand Mourlot, en París en 1965.








                           Estampa de la serie Vía Crucis, 1929, xilografía
 Pompeyo Audivert

Pompeyo Audivert fue uno de los grandes grabadores argentinos. Con un tratamiento formal sintético, la serie Vía Crucis representa las estaciones de la Pasión de Cristo. En esta dramática xilografía, con trazo expresionista, las figuras deformadas, irreales, con influencia del arte catalán primitivo, logran capturar el sufrimiento de la escena religiosa.










                    Danza Macabra I, c. 1940, xilografía.

Víctor Delhez

El tratamiento formal de las obras de Víctor Delhez sigue la tradición del grabado de su Bélgica natal. Poseen obra suya el Metropolitan Museum de Nueva York y el Instituto Smithsoniano de Washington. La serie Danza macabra retoma el género literario medieval que contempla la Muerte como instancia unificadora, más allá de las escalas sociales.

Esta xilografía es un autorretrato del artista, donde, con extrañeza, observa el enfrentamiento entre dos momentos inevitables: la juventud y la muerte.
El Papa Francisco eligió el grabado de Delhez que representa la Natividad del Evangelio según Lucas para la tarjeta de Navidad de 2014.











                                  Serie Los amantes, 1965, Litografía.
Aída Carballo

La obra de Aída Carballo, y sus palabras, se sumergen en su biografía más íntima, a corazón abierto; nunca ocultó sus internaciones psiquiátricas. Este grabado integra la serie Los amantes, con inolvidables escenas de parejas.

Algunas se expusieron en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires hasta que la muestra fue censurada por la denuncia de una docente que concurrió con sus alumnos. "El amor que describo en la serie Los amantes sorprendió e, incluso, escandalizó; no logré entenderlo. Para mí, la muerte y el amor son muy semejantes: ocurren de improviso y se dan naturalmente", escribió Carballo.



















lunes, 15 de agosto de 2016

PABLO BERNASCONI y su libro MENTIRAS y MORETONES

 

 

 

 

Pablo Bernasconi: "Escribo para el vínculo entre chicos y padres"

 

Nota de Natalia Blanc, para el diario La Nación del 14 de agosto de 2016 

 

El nuevo libro del ilustrador, hecho de textos y dibujos, busca exorcizar las pérdidas y las desventuras; planea además convertir esas historias en una obra de teatro.


Miedos, golpes, dudas, reflexiones filosóficas, historias y leyendas de personajes entrañables: todo eso y mucho más aparece reflejado en las bellísimas páginas de Mentiras y Moretones (Sudamericana), el último libro para chicos de Pablo Bernasconi.




 
"Hay dolores que se pelean con la memoria. Y la empujan hasta que cambie de color. Por eso ninguna verdad suena tan real como una mentira bien contada", escribe Bernasconi en "Preguntas", el texto con el que comienza este libro álbum integrado por 24 relatos ilustrados. Breves (algunos de apenas una página), los cuentos son profundos, divertidos y juguetones. "Uno de miedo", por ejemplo, está presentado en forma de espiral; ese recurso invita al lector a girar el libro para leer la historia completa.



-¿Cómo surgieron los relatos de Mentiras y Moretones?
Fue un proyecto muy largo, que vinculó procesos y etapas que atravesé en los últimos dos o tres años. Yo quería abordar en un libro los golpes, el fracaso, las desventuras, las pérdidas, la desilusión. Me tocó vivir muchas de esas cosas mientras el libro tomaba forma. Los cuentos reflejan, de forma metafórica, parte de esos procesos. Lo que propongo, como eje temático, es que la relación entre los golpes, el dolor y la memoria, tiene un componente enorme de imaginación, de interpretación posterior, de digestión anímica.


 


  -¿Por eso elegiste combinar las dos palabras para el título?
-Cada cuento traslada pequeñas porciones de este concepto, a veces desde el humor, a veces desde la poesía, siempre desde la imagen. Un ejemplo: "¿Dónde se acumulan mis golpes? ¿En qué lugar de la memoria se esconden todos mis porrazos? ¿Son las lágrimas o las sonrisas las genuinas herederas de los moretones?". Tengo en cuenta que la virtud del arte y las ideas nos ayuda a confiar en los atributos de la resiliencia. Son prueba de ella.



-¿Qué aparece primero: las historias o la ilustración?
-En este libro en particular, lo primero que abordé fueron los textos. En general, el punto de partida está dado por la necesidad de que una idea, un concepto, necesite existir. A partir de ese punto, la voluntad de las herramientas se resuelve sola. A veces, la imagen se antepone por una cuestión de urgencia creativa (y confianza personal); otras veces es la palabra la que salta primero y cuenta su porción de verdad. En todos los casos, de cualquier manera, la adecuación al libro álbum (procurar la no redundancia, la no literalidad, planificar los niveles de lectura) estuvo cuidada para que la química funcione. Por ejemplo, uno de los cuentos, "Uno de miedo", tuvo avances y retrocesos porque me parecía que la imagen estaba entorpeciendo el desarrollo de lo que sucedía en la historia. A pesar de haberla ilustrado, provocaba confusión en cuanto al tono que quería darle. Decidí entonces prescindir de la ilustración y obligar al texto a que se comporte de forma visual. Y funcionó mucho mejor. La necesidad de utilizar este dúo dinámico (texto e ilustración) en un libro álbum, a veces, puede volverse contradictorio si de lo que hablamos es de expandir el sentido final.





-El año pasado exhibiste los dibujos originales de tu libro Finales en formato de cuadros. ¿Pensás hacer algo parecido con Mentiras y Moretones?
-Con este proyecto sucedió algo que me motivó a probar un nuevo lenguaje. Estoy trasladando el libro entero a una obra de teatro, de la que participo además con música y dibujo en vivo. Sería una especie de "recital de teatro" y funcionaría como una obra infantil para adultos. Algo así. Me gusta extender las posibilidades de la narrativa. Es un riesgo que nutre y a la vez me obliga a interactuar y compartir los espacios creativos con otras personas (somos tres integrantes). La obra va a estar lista para estrenar en octubre, seguramente.

-¿Qué tenés en cuenta cuando escribís para chicos, a diferencia de otros trabajos para "grandes"?
-No estoy seguro de que lo que haga sea escribir para chicos. Ni para padres. Mi intención, en todos los casos, es escribir para el vínculo. Así lo disfruto cuando ejerzo el rol de lector con mis hijos. La forma en que un cuento, una historia, un libro acompaña nuestras relaciones es muy entrañable, legítima, inevitable. Me gustan los libros así y los atesoro. Mi intento es llevar lo que hago para ese lugar. Creo que ésos son los libros que merecen la pena existir.










miércoles, 10 de agosto de 2016

NOVEDADES del DIBUJO y la ILUSTRACION (Nº 106)










A través de CULTURIZANDO tenemos acceso a algunos de los muralistas (artistas urbanos) más importantes de la actualidad.








En un artículo de CULTURA COLECTIVA se analizan las relaciones del film Suicide Squad con comics del pasado.










En el libro Frank Kafka, dibujos; de la editorial Sexto Piso nos encontramos con una faceta casi desconocida de esta personalidad. Así lo analiza PAGINA 12.









Así es la dictadura, con idea y texto de Equipo Plantel, y que este año obtuvo el primer premio Bologna Ragazzi Award en la categoría de no ficción, fue editado por Media Vaca con ilustraciones de Mikel Casal. Así lo comentó el diario CLARIN









Por intermedio de 40 FAKES, conocemos la obra de la artista australiana Lucy Hardie. Tambien les proporcionamos acceso a su PAGINA WEB
 















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lunes, 8 de agosto de 2016

LINIERS en el CENTRO CULTURAL BORGES








En el Centro Cultural Borges se desarrolla hasta  el 20 de septiembre, la muestra Todo es Macanudo, de Liniers.

Reproducimos la nota efectuada por Victor Hugo Ghitta para La Nación del 7 de agosto de 2016

 

La fiesta macanuda: Liniers, anfitrión de una muestra que es puro juego e ilusión

 

Entre Olgas y Enriquetas, libros y tapas de revistas, se abre un recorrido por la obra del historietista que se muda a los Estados Unidos para ingresar al Center for Cartoon Studies

La niña ríe con los dientes, ríe con los ojos. De pronto, después de atravesar la sala en una corrida, se detiene a dos pasos de distancia congelada por el pudor. Lleva en una mano un dibujo que acaba de hacer ella misma y en la otra, un lápiz.

"Me parece que vos querés que yo haga algo con ese dibujo." Liniers extiende una mano a modo de invitación. Ella no deja de sonreír: no lo sabe, pero dentro de muchos años acaso recuerde este momento con agradecimiento y nostalgia: el día en que el dibujante al que tanto admira le regaló un autógrafo. Quizá sea sólo un deslumbramiento fugaz, quizá su vida esté cambiando para siempre.







A él le ocurrió algo así hace muchos años, recuerda ahora. Se acercaba con timidez a sus maestros (Quino, Caloi, Fontanarrosa) y les entregaba un libro de historietas para que ellos dejasen allí estampada su rúbrica. La escena se repite una y otra vez, y son los chicos quienes le piden con insistencia un autógrafo sin saber que Liniers es tan tímido como ellos, apenas lo rescata de ese recato el oficio. Los chicos son quienes más disfrutan de esta fiesta, porque eso es la muestra montada en una de las salas del Centro Cultural Borges: la celebración de la alegría que animan con ternura los Macanudo, las Enriqueta, los Oliverio, los Bonjour, las Olga y los Fellini multiplicados en un juego infinito de espejos. Después está el humor, claro. Dan ganas de quedarse mil horas leyendo las tiras o jugando con los bonetes en la bonetería, o dibujando en las pizarras o pintando con tinturas fluorescentes en una cámara de luz negra. Todo es juego, descubrimiento, ilusión.






Hay un pared breve donde Enriqueta lee en distintos cuadros. Los autores indican cuál ha sido la educación sentimental de Liniers en su infancia: Enriqueta lee a Verne, Poe, Dahl, Carroll, Barrie, Alcott, Saint-Exupéry y los hermanos Grimm; sólo un libro argentino: Dailan Kifki, de María Elena Walsh.








"El primer recuerdo que tengo de mí feliz, con un libro en la mano, es con Mafalda",dice ahora. Después llegaron Mark Twain (Las aventuras de Huckleberry Finn) y Herman Melville (Moby Dick), y luego Cortázar y Stephen King, y muy pronto las tiras de Bill Waterson (Calvin & Hobbes), Georges Remi (Tintín), René Goscinny y Albert Uderzo (Asterix), y cuando Liniers estaba por convertirse en Liniers, Art Spiegelman con Maus, la historieta sobre el Holocausto que cambió el curso de las cosas concediéndole al género su mayoría de edad.






Cuando los chicos lo liberan, aunque pronto llegarán otros y así durante más de una hora, en un juego divertido que lo consagra casi -qué paradoja- como una pudorosa estrella de rock, el artista recorre la exhibición, que es de algún modo un recorrido por su vida. Se detiene en dos o tres piezas que le divierten o le resultan especialmente significativas. En una están reunidos sus personajes, y él aparece pintando mientras lo observa con indisimulada admiración Picasso. Se ríe con ese capricho creativo y se burla de su vanidad. En una pared cuelgan las reproducciones de las tapas que ha realizado para The New Yorker, la publicación norteamericana que consagra a los mejores. En una vitrina está la edición de Emma, de Jane Austen, que Penguin Random House editó con una tapa blanca. La portada está intervenida con un dibujo hermosísimo.
"Lo hice el día en que nació mi hija Emma", dice el padre de las dos criaturas, que cree que en conjunto su obra tiene más de una capa de sentido.





 
La muestra tiene unos cuantos espacios destinados a los chicos, pero el espacio tiene sobre todo un clima apacible y poético cuya marca esencial -además de la plasticidad de las imágenes- es la ternura. Eso es Liniers, claro: un poeta, un observador lúcido sin artificios ni acentos excesivos que acude a una ironía mansa y al absurdo para mirar el mundo.
Después de tantos libros propios y de poner en circulación libros de otros en la Editorial Común (en ese sello editó a Alberto Montt, Carlos Trillo, Gus Delisle, Nine y Kazu Kibuishi, entre tantos), después de algunas tapas de discos (Calamaro, Johansen) y una muy frecuente colaboración con Kevin Johansen, sostiene su tira Macanudo desde años en la nacion y está a punto de partir rumbo a Vermont, la ciudad adonde está The Center for Cartoon Studies. Fue invitado a ingresar en ese laboratorio de ideas para historietistas y allí permanecerá dos años con su familia.





Mientras cuenta, esto una muchachita de unos 10 años se le acerca para entregarle un dibujo. No busca un autógrafo; simplemente se lo entrega para que Liniers lo sume a la galería de muñecos y cartulinas con dibujos que a menudo le envían los chicos como muestra de gratitud. Liniers dice gracias, y la sonrisa de la nena -la nena es toda ella una sonrisa ahora- sale corriendo con ojos de felicidad y asombro. Él se queda como si nada, un poco en esa quietud tan suya, perplejo por tanto cariño y disfrutando, siempre secretamente, su pequeña celebridad, en esa hermosa nube hecha de Macanudos, Enriquetas, Oliverios, Bonjours, Olgas y Fellinis en que se ha convertido esta sala del Borges. Dan ganas de quedarse horas en este territorio de ensueño que tanto se parece a una infancia plácida.

Agregamos:

CLARIN    Nota del 22 de julio de 2016

CARLOS SARAVIA , Video

POR LINIERS , Sitio Oficial















miércoles, 3 de agosto de 2016

NOVEDADES del DIBUJO y la ILUSTRACION (N°105)









Pelota de Papel, de Editorial Planeta, es un libro realizado con fines solidarios, que contó con la colaboracion de 24 futbolistas/cuentistas, 24 escritores o periodistas prologistas y 24 ilustradores. Mas detalles encontramos en REVISTA CABAL, diario CLARIN y en la página de PLANETA.. Adjuntamos tambien un video con audio y fotos realizado por RADIO WU










Los invitamos a ver las tapas o portadas de la REVISTA FIERRO desde el Nro. 1 hasta el actual Nro. 117, además de otros artículos de interés.













El pasado viernes 29 se reunió en Buenos Aires un "seleccionado" de ilustradores argentinos, con el fin de dibujar para los aficionados y de esta forma recaudar fondos para la Asociación de Dibujantes Argentinos. Así lo comenta LA NACION y  para CLARIN, Horacio Altuna, uno de los gestores de la idea.











En la Fundación Laxeiro, de Vigo, España, se está desarrollando la muestra Laxeiro sobre Papel, que incluye 13 dibujos inéditos del artista gallego. Mayor información obtenemos en LOGOPRESS y la página de la FUNDACION












El editor Fulgencio Pimentel, acaba de editar el último trabajo del estadounidense Daniel Clowes. Titulado Paciencia, es mitad ciencia ficción y mitad melodrama, con los que explora nuevos caminos para el comic americano. Así lo informan EL PAIS , LA VANGUARDIA y la propia EDITORIAL.











René Magrite ( 1898-1967) antes de la creación de su gran obra plástica se dedicó a la realización de carteles publicitarios. Asi lo relatan los artículos de BRIGADA ESTUDIO ,  ESTETICAdelARTE  y El MUNDO LIBRO,












lunes, 1 de agosto de 2016

GOYA, el SUEÑO de un GENIO; en la UNTREF







En el Museo de la Universidad de 3 Febrero (MUNTREF) se está realizando, hasta el 2 de octubre, la muestra Goya, el Sueño de un Genio.





Según menciona la introdución a la muestra de la entidad organizadora: "Se trata de una exposición que pone en diálogo el patrimonio del Museo Galdiano de Madrid, el del Museo Castagnino de Rosario y el del Museo Nacional de Bellas Artes, así como piezas procedentes de colecciones privadas a partir de la hipótesis de trabajo establecida por el investigador Angel Navarro"






Detalles y comentarios sobre la muestra podemos ver en MUNTREF,  TELAM LA NACION y un audio del programa LANATAsinFILTRO, También un interesante artículo de Lolo Amengual para su sección Dimes y Dietes de RAMONA.  Agregamos un video de AGENCIA EFE, uno de NICOLASdeFRIBOURG  y otro de la INAUGURACION ,